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ROBERTA LIMA, ANJA MANFREDI, JUDITH PICHLMÜLLER, KÄTHE HAGER VON STROBELE FRAGMENTS OF ACTION IN TRANSLATION |
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Ausstellung: 6. März - 30. April 2009 Prozessionale Beschäftigung, langjährige Recherchen und Aktion bedingen die Arbeiten der hier gezeigten Künstlerinnen. Die Annäherung zu den Fragestellungen des Körpers, seinen Machtmechanismen, seine Veränderbarkeit durch verschiedene gesellschaftliche Ideale und der Möglichkeit der Befreiung, kommunikative Systeme und mediale Bildsprache - erfolgt über diverse Wege der wissenschaftlichen und künstlerischen Auseinandersetzung und Übertragung. Das dekonstruktive Moment in der Performance der Werke steht hier in der Rezeption als Gestus der Befreiung im Vordergrund. Immer wieder spielt die Wechselwirkung zwischen dem Selbst und seiner Spiegelung im Bild eine wichtige Rolle. Die gesellschaftlichen Repräsentationen im Tanz, der Mode und der Massenmedien werden in Folge als soziale Verhaltensmuster körperpolitisch übersetzt. Die Rückkehr zur individuellen Verhaltensform wird in den Werken - unbewegt und bewegt - über die Medien der Fotografie und Video erfahrbar gemacht. Unter diesem Bewusstsein der Selbstbestimmtheit und des Widerstandes als Künstlerinnen finden in der Ausstellung auch die einzelnen Fragmente inhaltlich zueinander. "Fragments of action in translation" – erweisen sich somit als Detailansichten, als fotografische Ausschnitte bzw. Werkausschnitte der Künstlerinnen, die die jeweilig behandelten Forschungsschwerpunkte in Form ihrer inhärenten medialen Struktur gegenseitig übertragbar machen.
Roberta Lima, The Dress Trilogy Cut it Out!, Lights Out! und 6teen Stitches, bilden ‘The Dress Trilogy' und stellten meine ersten Erfahrungen mit Performance vor Publikum dar. Für The Dress Trilogy forschte ich über die Kleiderreform der frühen feministischen Bewegung des 19. Jahrhunderts um eine Kritik des Ideals des weiblichen Körpers zu entwickeln - auch in Bezug auf 'Initiationsriten' für Frauen in westlichen Gesellschaften, wie etwa als Balldebütantin. In Zusammenarbeit mit Modedesigner und einem Piercer schuf ich Kleider, die von den "Bloomer-Kostümen"1 inspiriert waren. Die Kleider wurden mit Nadeln an meinen Körper angepasst. Diese Nadeln wurde auch durch meine Haut gepierct - als Metapher für Konstruktion und Dekonstruktion von Weiblichkeit. Alle drei Performances waren speziell für den jeweiligen Veranstaltungsort konzipiert und in jeweils drei Phasen gegliedert: Die construction of the dress wurde jeweils im Studio durchgeführt. Während der Performance wurden Videos davon gezeigt, etwa von Nähmaschinen oder Scheren, vom Zerschneiden oder - reißen des Stoffs, etc.; die transformation of the dress wurde teilweise vor Publikum durchgeführt und bezog sich auf den Piercingvorgang und die Anpassung des Kleids an meinen Körper; die destruction of the dress schließlich war jener Zeitpunkt, an dem ich die Nadeln entfernte, und wurde komplett vor Publikum vollzogen. Für jede Performance wurde ein neues Kleid als Einzelstück produziert und dann an anderen Stellen meines Körpers gepierct: bei Cut it Out! war das Kleid eine getreue Reproduktion eines Bloomer-Kostüms und wurde an der Taille fixiert; für Lights Out! bat ich den österreichischen Modedesigner Danijel Radic das Bloomer-Kostüm zu rekontextualisieren and seine Vision eines 'kontemporären feministischen Kleids' zu entwerfen, das dann an meine Hüften angepasst wurde; in 6teen Stitches zerschnitt ich schließlich das 1960er-Balldebütantinnen-kleid meiner Mutter zwischen den Beinen und teilte so den Rockteil des Kleids entzwei (als würde man eine Hose daraus machen), der dann an meine Beine gepierct wurde und danach zusammengebunden.Abgesehen von den Kleidern unterschieden sich die drei Performances durch die Tatsache voneinander, dass jede Performance in einer einzigartigen Raumsituation durchgeführt wurde - mit jeweils unterschiedlichen architektonischen Lösungen. Zusätzlich war die Anzahl der Besucher, die unausweichlich die schlussendliche Konfiguration des Raumes - genauso wie die Performance selbst - beeinflusste, unvorhersehbar.
1Das Bloomer-Kostüm, eine berühmte Kombination aus kurzem Kleid und Hose war der erste echte Entwurf für ein neues Konzept von Frauenmode. Elisabeth Smith Miller war die amerikanische Erfinderin des "Bloomers" oder "Türkischen Kostüms". Benannt wurde das Kostüm jedoch nach Amelia Bloomer, Zeitschriftverlegerin und Proponentin der Kleiderreform.
Anja Manfredi, Re-Produce Serie von drei Tänzerinnenikonen um 1900. Anna Pavlova (Russland), Grete Wiesenthal (Österreich) und Isadora Duncan (U.S.A.). Die Serie beschäftigt sich mit Gemeinsamkeiten und Unterschieden in Bewegungs-, Körper- und Inszenierungskonzepten wie mit Tänzerfächern des späten 19. Jahrhunderts (das Ballerinafach, das mimische Fach und das ‚Andere'). Diese Tänzerinnen haben die Reformen des Tanzes geprägt, welche auch mit neuen Aufführungsorten einhergeht, von der hochkulturellen Theaterbühne, Museumsräume, Stierkampfarena, Varietés bis zum Tanz im Freien. Mein Interesse am Sammeln von „Bewegung“ hat mich 2006 nach Salzburg in die Derra de Moroda Dance Archives geführt und zu einer Zusammenarbeit mit der Tanzwissenschaftlerin Nicole Haitzinger. Die Derra de Moroda Dance Archives sind ein Ort des kulturellen Tanz-Gedächtnisses, eine Sammlungsstätte für Denken, Erleben und Erforschen von unterschiedlichen Tanzkonzepten. Als Ausgangspunkt für unser Projekt dienten historische Fotografien, die meist im Fotostudio aufgenommen wurden, also Inszenierungen für die Kamera darstellen. Durch dieses dokumentarische Bildmaterial, die Herstellung von Artefakten, sind Re-Inszenierungen, Re-Konstruktionen, Re-Enactments überhaupt möglich. Künstlerische Aneignungen, Nachstellungen und Interpretationen bis Verfremdungen als Übertragung in die Gegenwart können nun erfolgen, historische Erfahrungen und Wiederentdeckungen werden erfahrbar, sowie die inhärente Konfrontationen mit den jeweiligen historischen Bildquellen. Ein kommunikativer Akt wird auf mehreren Ebenen gesetzt, Aktion und Bewegung treffen auf das fixierende und bergende Medium der Fotografie. ´“Re-Konstruktionen wie Re-Enactments betonen Momente des Unvorhersehbaren, des Staunens. Als Differenzmodelle setzen sie eine genaue Lektüre des „Anderen", der Referenz/en voraus und gehen spielerisch mit der Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen um.“ Nicole Haitzinger, www.corpusweb.net, Oktober 2008 Im Zuge des Arbeitsprozesses ergab sich 2008 ein Besuch in der Vaganova Ballettakademie, St. Petersburg, diese Schule besuchte auch Anna Pavlova. Disziplinierte Körper ohne Veränderungen und ohne Modifikationen werden hier geformt, ein Körper als Instrument, der Spitzenleistungen und Virtuosität erreichen will. Dabei sind Videoarbeiten entstanden, die Körper in einer Pendelbewegung zwischen angespannter Disziplinierung und Momenten des Loslassens zeigen. Das Pavlova Projekt wurde in Zusammenarbeit mit der Tänzerin Heidrun Neumayer umgesetzt, die genaue und exakte Re-Konstruktion und gleichzeitige De-Konstruktion stand hier im Vordergrund. Die Bewegungsstudien von Wiesenthal sind in Zusammenarbeit mit der Tänzerin, Performerin und Choreografin Linda Samaraweerová entstanden. Der Fokus war hier, beide Tänzerinnen unhierarchisch und als Partnerinnen zu präsentieren: das Bewegungsvokabular von Wiesenthal in der Nachstellung, im Re-Produce und den Bewegungen und Choreografien z.B. des öffentlichen Körpers von Linda Samaraweerová in EINEM BILD zu zeigen und in die Gegenwart zu übertragen. Beim letzten Teil der Serie habe ich mit der Video- und Performance-Künstlerin Roberta Lima zusammengearbeitet, der historische Part von Isadora Duncan diente hier als wichtiger Impuls. Heidrun Neumayer (Salzburg), Linda Samaraweerová (Wien, Prag), Roberta Lima (Wien, Dublin, Brasilien).
Re-Enacting Grete Wiesenthal, 2008 C-Print, 85x66cm, kaschiert auf Dibond, gerahmt
Judith Pichlmüller, 3 Werkblöcke zum Thema Gewalt, Migration und Kampf in Übersetzung. Grillen, 2008 Judith Pichlmüllers Videoarbeiten implizieren immer wieder einen Versuch, an die eigenen Grenzen der Verantwortlichkeit zu gehen. Die Beschäftigung mit Gewalt und gewollter Zerstörung, die Faszination eines grausamen Bildes aufzuschlüsseln und mit über lange Zeit sozial tradierten gesellschaftlichen, religiösen und rituellen Mechanismen der Abspaltung von Brutalität auf einen externen Ausdruckmechanismus wie einem Abbild zu verknüpfen. In inszenierten Experimenten wird die Grenzziehung von Vertretbarem und moralischem Index untersucht- immer mit der Auseinandersetzung von Schuldgefühl. Das Versagen der eigenen Aggressionsumsetzung mit der damit verbundenen Gewissensfrage zu kombinieren - den Zuseher auf seine eigenen Definitionen zurückzuwerfen und ihn damit ohne einen Lösungsvorschlag alleine zurückzulassen ist Thema dieser Arbeit. In nervenzerrender Langsamkeit zieht sich die Zeit zur Explosion, der Sound brummt in unangenehmen, bedrohlichen Basstönen, lässt den Magen vibrieren - fast ein Standbild das sich unabänderlich zum Höhepunkt hinarbeitet und dann Leere hinterlässt, und sich verziehenden Rauchs.
Grillen, 2008 C-Print auf Aludibond 100 x 56 cm
under attack, 2008 Gibt es eine Symbolik von Aggression in Kriegsberichterstattung - Bilder, Töne, die das Sterben assoziieren? Schlüsselelemente zur Angst? "under attack" verbindet einfache Aspekte der Kriegsbildberichterstattung in Konnotation mit dem Opfer/Täter Diskurs. Die gezeigte Arbeit ist als Weiterführung der Video/Fotoarbeit "grillen" zu sehen - ein Akt der Sprengung. Nicht das Gezeigte, vielmehr die bei der Betrachtung entstehenden Assoziationen sind es, die bei "under attack" Erinnerungen an ungelöstes Konfliktpotential lostreten. Auf den Fotos ist die Symbolik der Attacke wiederzuerkennen, in dem Video laufen aufgeregte Grillen in eine neue feindliche Umgebung - ausgesetzt einer unsichtbaren Bedrohung, die aber in diesem Fall nur die Natur ist, in der sie als Futtertiere nie zu überleben gelernt haben. Kaum in die neue Freiheit immigriert haben sie keine Chance auf Glück. (Rudi Turneder, 2008)
under attack, 2008 C-Prints auf Aludibond, je 120 x 90 cm
Käthe Hager von Strobele, Kleidungsraum Die Oberflächen der Kleidungsstücke schreiben sich als verkörperte Erwartungen in den sozialen Raum ein. Als leere, getragene Hüllen referieren sie auf die abwesenden Personen und erwecken als Träger von Attributen den Eindruck von Lebendigkeit. Gleich handelnden Akteuren passen sich die Kleidungsstücke durch Farben, Formen und Texturen der Umgebung ihrer Objektwelten an. Der leere, halbverlassene Raum fällt durch seine Anordnungen der Objekte ins Auge. Die im Raum angeordneten Objekte folgen festgelegten Ordnungen. Sie tragen Spuren vergangenen Wahrnehmung und Benutzung. Durch die Glaskästen gewinnt der fotografische Raum an Skulpturalität und bildet jeweils seine eigenen Welten. Die innere Ausdehnung der Objektwelten in der Fotografie ist nun getrennt vom Raum der Betrachtung. Auf ihren eigenen sozialen Raum zurückverwiesen, stoßen die BetrachterInnen auf die eigene Praxis der Verkörperung von gesellschaftlichen Regeln – der Erfordernis sich im Raum einzuordnen und der Verpflichtung sich zu bekleiden. Gleichzeitig werden die Oberflächen der Kleidung und Fotografie erst durch den lebendigen Akt der Identifikation wieder „zu Leben“ erweckt. Dieses Konzept erweiternd, möchte ich in der folgenden Gruppenausstellung wiederum auf das Thema weiblicher Kleiderhüllen Bezug nehmen und spezifisch auf die verkörperte Erwartung von Künstlerinnen durch Kleidung und Fotografie eingehen.
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fragments of action in translation ON THURSDAY, MARCH 5TH 2009 AT 7PM
Processional preoccupation, long-term research and action are the subject of the work presented by these artists. Through the diverse ways of scientific and artistic confrontation and transmission, questions of the body and its power-functions and versatility through varying social ideals are approached. Possibilities of liberating communicative systems and medial figurative language are explored.
Roberta Lima Cut it out!, Lights Out! and 6teen Stitches, form ‘The Dress Trilogy’ and present my first experiences with public performance. I began research into the dress revolution of the 19th century feminist movement to develop a criticism of the ideals of the female body and also with regard to the ‘initiations rites’ for women in western society, such as the ball-debutant. Inspired by ‘Bloomer-Costumes’1 I began working with a fashion designer and a body-piercing artist to create garments. These would then be fitted to my body with pins, pierced through my skin, as a metaphor for the construction and de-construction of femininity. All three performances were designed for the event site-specifically and each structured in three phases: The manufacturing of the garments was conducted in the studio and videos of this were shown during the performance. These showed footage of sewing machines or scissors and the cutting or ripping of material etc. ________________________________________________________________________
The deconstruction of the dress consisted of the moment in which I removed the pins and was performed entirely in front of the audience. A new individual garment was produced for each performance and then pierced to a different part of my body. In Cut Out! the dress was a loyal reproduction of the Bloomer Costume and was attached at the waist. For Lights Out! I asked Austrian fashion designer Danijel Radic to re-contextualize the Bloomer Costume and to realise his concept of a ‘contemporary feminist dress’, which was in turn attached to my hips. In 6teen Stitches, I eventually cut my mother’s 1960’s debutante ball-gown between the legs and parted the skirt into two, as if to make trousers. This garment was then pierced to my legs and finally bound together. Aside form the garments, the performances differed from each other, through the fact that each was held in individual spaces with individual architectonic solutions. Additionally, the eventual configuration of the space and the performance itself were unavoidably influenced by the unpredictable size of the audience.
Roberta Lima was born in Manaus, Brazil, in 1974. She moved to Europe after graduating with a Degree in Architecture in 2002. After earning a Master’s in Fine Art, she began her PhD studies at the Academy of Fine Arts in Vienna. She is currently Associate Researcher at GradCAM in Dublin. Roberta focuses on her own body as the subject for her work and uses various media, such as photography, video, and installation. Additionally she explores the concept of space and appropriates aspects of different places and contexts – from subculture and science, pop culture and historical reference to feminist theory – to produce art and encourage discussion over the role of the artist and viewer. Solo Exhibitions
Group Exhibitions (selected)
Prizes, scholarships, and fellowships 2007 studio and traveling fellowship in Peking, China for the year 2009 (BMUKK, Austria) Lectures, workshops, conferences
Published works (selected)
Website: www.robertalima.com
Anja Manfredi, Re-Produce Series of three dance icons of 1900. The series deals with the similarities and differences in movement-, body- and staging-concepts as well as departments of dance of the 19th century (the specialisation of the ballerina, the mime artist or the ‘other’). These dancers were influential in revolutionizing dance, which was being performed in new surroundings, ranging from the high culture context of the theatre stage, museum spaces, bullfighting arenas, and music halls; through to outdoor performance. Historical photographs served as a starting point for our project, of which most had been recorded in photo-studios; a reproduction for camera. These re-productions, re-constructions and re-enactments were made possible through these documentary images, being a fabrication of artifacts. “Re-constructions like Re-enactments emphasise moments of the unforeseeable, the astonishing. As difference models they aim to create a precise dialogue with the ‘other’, the reference/s, and playfully deal with the simultaneity of un-simultaneous events.” The course of the work process, resulted in a visit to the Vaganova Academy of Ballet, St. Petersburg in 2008, which Anna Pavlova herself had also attended. Here, disciplined bodies are formed, without changes or modifications. The body, as an instrument, is to attain excellence and virtuosity. Through this, video pieces arose, showing the body in transition between tense discipline and moments of letting go. The Pavlova Project was implemented in collaboration with the dancer Heidrun Neumayer, focusing primarily on precise and exact re-construction and simultaneous de-construction. Wiesenthal’s studies of movement arose through collaboration with dancer/performer/choreographer Linda Samaraweerová. The focus here was to portray both dancers on one level as partners: the recreation of Wiesenthal’s vocabulary of movement, in Re-Produce and the movements and choreographies, for example, of Linda Samaraweerová’s public body, were to be presented in ONE IMAGE and applied to the present. Influenced by Isadora Duncan’s historical role, I collaborated with video- and performance artist Roberta Lima in the last part of this series. Heidrun Neumayer (Salzburg), Linda Samaraweerová (Vienna, Prague), Roberta Lima (Vienna, Dublin, Brazil).
Re-Enacting Grete Wiesenthal mit Linda Samaraweerová, 2008 C-Print, 70x100cm, laminated on Dibond, framed
Anja Manfredi was born in 1978 in Lienz/ East-Tirol; 1998-99 she attended the School for Artistic Photography under Friedl Kubelka in Vienna. From 1999-2005 she studied Art and Photography at the Academy of Fine Art in Vienna, completing her Diploma under Eva Schlegel. She works and lives in Vienna. The theme of her work lies in the abstract notion of the fabrication of a photograph, the representation of the body in a photographical image as well as the notion of collecting, and through this the evolving of, the image-body-archive.
Prizes, scholarships, and fellowships
Website:www.anjamanfredi.com
Judith Pichlmüller Works on the theme of Violence, Migration and Conflict in Translation. Crickets 2008 Judith Pichlmüller’s video works always indicate an attempt to approach one’s own boundaries of responsibility. She is preoccupied with violence, intentional destruction and our fascination with gruesome images. The aim is to integrate an external form of expression, such as an image, with traditional, cultural, religious and ritual ways of dealing with brutality. In staged experiments she always investigates the definition between symbolic and moral index with the confrontation of guilt. The theme of this work lies in our failures of dealing with aggression combined with the connected question of conscience; averting the audience from his own definitions and hereby leaving him without any suggestion of a solution. The time of explosion approaches with unsettling delay. The sound drones in uncomfortable, threatening bass-tones and induces vibrations in the stomach. An image that almost irreversibly works towards a climax and promptly leaves emptiness and with it vanishing traces of smoke. Crickets, 2008 C-Print on Aludibond 100 x 56 cm
Under attack, 2008 Is there aggressive symbolism in war-coverage – images and sounds that associate death? Key-elements of fear? “under attack” combines simple aspects of war-coverage in connotation with the discourse of victim or perpetrator. The work presented is shown as a continuation from the video and photographic works “Crickets”; a process of explosion. Moreover are the associations formed when viewing “under attack” that trigger memories of unsolved potential conflict, than the presented image itself. The symbolism of attack is recognizable in the photographs. In the video, circkets manically rush into a new, hostile environment. They are exposed to an invisible threat that, in this case, only consist in the form of nature in which, as feeding creatures, they have never learnt to survive. Barely emigrated to this new freedom, there is no chance of luck. Under attack, 2008 C-Prints on Aludibond, 120 x 90cm ea.
Judith Pichlmüller was born in Salzburg in 1978, lives and works in Vienna. She studied Journalism at the University of Vienna with a Diploma in 2006 and attended Master Classes in Art and Photography at the Academy of Fine Arts, with a Diploma under Eva Schlegel in 2005. She has taken part in numerous workshops nationally and internationally, an exchange term at the HDK Berlin, Master Class for Photography under Katharina Sieverding and Master Class for Experimental Video Design under Maria Vedder. Since 2005 she has been a member of the Fotogallerie Vienna and responsible for joint management, organization and curatorial duties.
Käthe Hager von Strobele The surfaces of clothing inscribe themselves into our social environment as embodied expectations. In the form of empty worn shells, they refer to the absent person and promote, as bearers of attributes, an impression of liveliness. Within similar contexts, pieces of clothing adjust to the surroundings of their material world, through colours, shapes and textiles. An empty half-forgotten space falls into sight through the positioning of its objects and the arrangement of these objects within the space follow set rules. They follow traces of preceded awareness and use. Through glass cabinets the photographical space gains sculptural qualities through which it forms its own world. The internal expansion of the material world in photography is hence separated from the space in view. Confined to their own social space, the spectator is confronted with their own individual experience of the embodiment of social rules, which takes place in the need to arrange one’s self into the space and the obligation to dress. Simultaneously, photography and the surfaces of clothes are again brought ‘to life’, primarily through the live process of identification. In the joint exhibition I would like to expand on this concept, through clothing and photography, and again address the theme of female shells of clothing, specifically going into detail on embodied expectations of female artists.
Käthe Hager v. Strobele was born in Bozen (Suedtirol) in 1981. Exhibitions
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